Peinture aborigène d'Australie

"Old woman dreaming" Jean Nampinjimpa  (groupe/langage : Warlpiri  Acrylique sur toile - 123X94


Expo - Vente - Conférences à Charmes sur Rhône (07) 

  C'est en 1981, lors de la grande exposition australienne « Perspecta 81 » de Sydney, que l'art aborigène fit son entrée dans le monde de l'art contemporain. Dix années plus tôt, les Anciens des tribus du désert sédentarisées de force, avaient accepté de transférer leur motifs sacrés sur les matériaux modernes. Cela avait été pour eux une énorme concession que de montrer à tous ces dessins par essence secrets, mais ils avaient eu alors l'intuition que la reconnaissance de leur culture et peut-être sa survie étaient à ce prix.

   La puissance symbolique de cette peinture du désert, venue du fond des âges, le potentiel créatif des peuples aborigènes éclatèrent au grand jour. Le succès fut immédiat, procurant à ces gens si durement malmenés par la colonisation, un bénéfice tant symbolique qu'économique.

  Lorsque les peuples du désert purent réinvestir leurs territoires ancestraux, il connurent un regain de spiritualité. Ils ramenaient avec eux la technique de l'acrylique sur toile. La peinture connut alors un grand développement dans plusieurs communautés du désert.

  Trois décennies plus tard, le mouvement contemporain de la peinture aborigène d'Australie est présent dans les musées et les collections privées du monde entier. Il constitue un épisode particulier, peut-être unique, de l'histoire de l'art, un moment de transition, une accélération du temps, où des chasseurs-cueilleurs comparables à nos ancêtres des grottes ornées ont déboulé dans notre époque matérialiste avec leur peinture sacrée, chargée de sens, vibrante, agissante, vivante. .  

  En 30 ans, en fonction des communautés, de leur histoire particulière et des générations de peintres, les artistes aborigènes ont su créer des univers picturaux variés, depuis la transcription fidèle des motifs ancestraux jusqu'à une interprétation affranchie dans les couleurs et les formes, mais toujours connectée aux mythes fondateurs du Temps du Rêve.

  Notre exposition vous propose de découvrir plusieurs de ces aspects très différents : des peintres confirmés et des peintres émergents, des toiles acryliques et de des ocres naturels, des artistes pintupis, warlpiris, pitjantjaras, kidjas.

  Trois conférences vous permettront d'entrer dans cet art qui témoigne d'une autre manière d'être au monde. 

Contenu et dates des conférences (entrée libre)  " Le samedi 7 juin à 17h : Un peuple sauvé par sa peinture  "Le dimanche 8 juin à 17h : La peinture titre de propriété et instrument politique   "Le samedi 14 juin à 17h : L'art médecin ou la peinture thérapeutique des Aborigènes

1

"Bush medecine leaves"
Acrylique sur toile
60X60

2
"Ceremonials grounds"
acrylique sur lin
60X60

3

"Sand dunes country"
60X87
Acrylique sur toile















Les créations de Yilpi (acrylique sur toile) doivent-elles plus à l'influence du batik ou aux motifs traditionnels hérités du temps du Rêve ? Le merveilleux est que le hasard des ligatures ou du plissage de la soie propre au batik créent des cercles, des lignes, des vibrations assez proches des motifs des motifs de l'iconographie aborgène du désert. Comment s'étonner que cette technique amenée à Ernabella, puis à Utopia dans les années 70 ait connu un immense succès auprès des femmes de ces communautés?
Les unes et les autres accèdèrent rapidement à la peinture acrylique sur toile mais l'influence du batik devait leur donner, dans les motifs et les couleurs, une légèreté et une liberté auxquelles les autres communautés n'accèderont que progressivement.

  Cette créativité très affranchie devait faire le succès de la grande Emily Kame Kngwareye, qui s'est rendue célèbre par son batik puis par sa peinture.

Vous retrouverez chez Yilpi Marks, les "patterns" traditionnels réinterprétés :

- le cercle concentrique ( Tableau 1),

- le plan symbolique du territoire (Tableau 2),

- Les dunes de sables rectilignes caractèristique du désert (tableau 3),

chacun de ces tableaux étant constitué de milliers de feuilles de Yam, cette plante nutritive et médicinale honorée par les femmes du désert et symbole de fertilité.

Déborah Nangala MacDonald et
Maisie Campbell Napaljarri
"Mon pays"

Acrylique sur lin  (201 x 170 cms)

Deborah Nangala Mac Donald et Maisie Campbell Napaljarri se sont associées pour réaliser cette toile  de grande dimension, plan symbolique d'une part de territoire Pintupi de la communauté de Kintore, situé en Australie de l'ouest. Plusieurs lieux sacrés y sont évoqués, signalés par les cercles concentriques et reliés par les "chemins du Rêve", ces itinéraires parcourus par les ancêtres lors de la création du monde. Les nombreuses formes en U représentent les officiants.

Cette toile est analogue à  ce qui pourrait être peint sur le sol sur une vaste surface apprêtée pour donner une cérémonie. Dans ce cas, le travail est collectif et fait collaborer  les personnes liées par une même identité clanique.

Dans les revendications territoriales menées par les Aborigènes depuis les années 1970, de très grandes peintures sur toile ont souvent été réalisées par des collectifs, chacun peignant la part de territoire (sites et itinéraires) dont il était propriétaire ou gardien.
Le "Ngura canvas" (toile de mon pays), peinte en plein désert par la communauté de Fitzroy Crossing est la plus connue. Elle a contribué, après 12 ans de procédure, a la restitution de la terre ancestrale des Wamaljarris.

Cette pratique, qui montre l'organisation de la "propriété foncière" aborigène  a constitué, en des temps difficiles, une arme politique et juridique de première importance.






 Deborah Nangala Mac Donald au travail